A ilustração na medicina tem sido um dos elementos de maior importância, devendo auxiliar a compreensão e facilitar ou enriquecer a leitura de um texto . São usadas imagens para ilustrar, facilitar o entendimento do leitores e consumidores, a encontrarem oque procuram, como fazer o uso de tal medicamento, ou até mesmo como fazer um curativo .
Ass: Thiago Mario Silva
Para quem gosta de desenhar e é apaixonado por moda, existem diversas formas de expressar as idéias, e traduzi-las para o papel. O croqui é aquele tipo de desenho que os estilistas fazem para mostrar seus modelos, e geralmente são estilizados. Os desenhos técnicos, como o próprio nome já diz, mostra as medidas da roupa, e todos os materiais que serão utilizados para confeccionar o modelo. Já o desenho de ilustração são mais amplos e podem aparecer emestampas, campanhas publicitárias, revistas, entre outros.
Muitos dos ilustradores mais conhecidos no Brasil são autodidatas, mas a maioria passou por cursos de Design Gráfico, Artes, Publicidade ou Moda. As ferramentas de trabalho se resumem basicamente a softwares de computador, comoPhotoshop, Corel Draw e Illustrator. Mas para se ter uma melhor desenvoltura com esses programas, é preciso ter uma noção mínima de desenho.
E para ilustrar essa profissão, nada melhor do que a obra do espanhol Arturo Elena. Esse autodidata vem revolucionando o mundo da ilustração gráfica, destacado pelo realismo e seu precioso colorido. Dominando a técnica como ninguém, compõe as personagens de forma graciosa e muito autêntica.
Fonte de Texto e Imagem: http://www.chicorei.com.br/moda/?
Ass: Luzia Aparecida e Wellington Guimarães
No pensamento de quase todas pessoas, a única coisa que um estilista faz são croquis, aqueles esguios desenhos feitos à mão e que são o terror dos cursos de moda.
Mas não são apenas os desenhos de croqui que fazem parte do mundo da moda, também encontramos nesse meio os desenhos técnicos e de ilustração.
Nos últimos anos, o mercado vem abrindo um grande espaço principalmente para os desenhos de ilustração, que passaram a serem usados em campanhas de marcas de moda no lugar de fotos com modelos, tornando-as mais divertidas e lúdica, uma tendência atual.
O Brasil também não ficou fora dessa onda, e na campanha do inverno 2001, a Arezzo foi uma das primeiras marcas de reconhecimento a utilizar a ilustração numa campanha de moda, a qual teve seus personagens criados por Jason Brooks. A exemplo da Arezzo, seguiram-se muitas outras marcas e publicações voltadas ao publico feminino como as revistas Elle, Vogue, Criativa etc criaram personagens próprios para ilustrar suas reportagens. Mas é no segmento jovem que esse negócio cresce ainda mais com revistas como a da MTV, Capricho e Atrevida que freqüentemente apresentam suas reportagens com divertidas ilustrações.
A maiorias dos ilustradores mais conhecidos no Brasil são autodidatas, mas a maior parte deles passou por cursos de Design Gráfico, Artes, Publicidade ou Moda. A ferramenta de trabalho de um ilustrador se resume basicamente ao computador, e os programas básicos são os softwares como o Photoshop, Carel Draw e Illustrator; mas também são essenciais conhecimentos de desenho e saber a solução de problemas no papel é importante. Pode-se notar essa importância no trabalho de muitos profissionais que buscam mesclar técnicas artesanais com tecnologia, complementando o trabalho na tela do computador.
Esse é um belo mercado que vem se abrindo para quem gosta de desenhar, tanto à mão ou na frente da tela de um computador. O que vale e desenvolver um estilo próprio e característico, mas nem por isso deixar para trás a flexibilidade de se adaptar aos clientes e suas preferências.
Fonte de Texto : www.portais damoda.com.br
Fonte de Imagem : http://www.chicorei.com.br/moda/?tag=desenho-de-moda
Ass: Wellington Guimaraes e Luzia Aparecida
Olhos arregalados, cabelos pontudos, lágrimas em cachoeira, mascotes fofíssimos. Os mangás são inconfundíveis e configuram um capítulo a parte na história dos quadrinhos.
Pokémon, Dragon Ball, Cavaleiros do Zodíaco, Yu Yu Hakusho, mesmo quem não é fã de quadrinhos já ouviu falar nesses personagens. E não é para menos: os quadrinhos japoseneses são os que mais crescem no mundo de hoje e são responsáveis pelo desenvolvimento de uma verdadeira indústria que inclui os animês (desenhos animados), games, anisongs (música-temas de desenhos e mangás) e filmes para o cinema.
Apesar dessa recente invasão no mundo ocidental, os mangás têm suas raízes fincadas em um passado remoto do Japão. Já entre os séculos 6 e 7, pergaminhos apresentavam animais em situações humanas — considerados os bisavós dos mascotes nos mangás de hoje.
FUSÃO – A própria palavra mangá não é nova: união de dois ideogramas japoneses “Man” (irrisório) e “Ga” (imagem), o termo foi cunhado pelo desenhista Katsuhika Hokusai em 1914 para definir cartoons, caricaturas e impressos de histórias em quadrinhos.
Mas foi apenas nos anos 50 que o termo mangá e as histórias japonesas passaram a significar um estilo único entre os quadrinhos. Considerado o deus do mangá, Osamu Tezuka — criador de Menino Atômico e Kimba, O Leão Branco — revolucionou as HQs japonesas ao criar uma nova forma de narrativa, que usava ângulos inovadores, ritmo cinematográfico e uma nova característica para transmitir as emoções de seus personagnes em toda sua complexidade: os grandes olhos arregalados.
“Nos mangás, tudo pode ser dito com um olhar. Eles são os principais veículos das emoções dos personagens. Mas ao contrário do que muita gente pensa, também existem mangás com olhos pequenos. Hoje cada vez mais os autores imprimem seu próprio estilo às histórias”, disse Açunciara Aizawa Silva, professora de mangá da escola de desenho Ateliê, de São Paulo.
Ela explicou que no Japão os mangás são subdivididos por faixa etária e gênero, em uma classificação que engloba inúmeros nomes específicos.
“Os principais são o Shonen Mangá, que é o mangá para meninos, e o Shojo Mangá, que é para meninas. A diferença é o Shonen tem mais ação e o Shojo tem mais romance”.
Como exemplo de mangás para menino, Açunciara cita Pokémon, Dragon Ball, Yo Yo Hakusho e para meninas, Sailor Moon. “Mas no Brasil essa divisão não existe muito. Quem gosta de mangá acaba lendo tudo mesmo”.
CAVALEIROS DO ZODÍACO – No Brasil, os primeiros mangás eram publicados informalmente em fanzines e atingiam um público muito restrito.
Segundo Cristiano Seixas, diretor do estúdio de criação e da escola Casa dos Quadrinhos, de São Paulo, foi no final da década de 80 que os primeiros mangás mais representativos chegaram ao país. “Lobo Solitário, que conta a história de um samurai que vaga com seu pequeno filho depois de brigar com seu chefe é um clássico e foi um dos primeiros, junto com Akira, a serem publicados no país”.
Mas foi um desenho, ou melhor, um animê — que abriu as portas definitivamente para a invasão dos quadrinhos japoneses no Brasil: os Cavaleiros do Zodíaco. Exibido há cerca de 10 anos nas TVs brasileiras, eles foram responsáveis pelo crescente interesse nos mangás, que teve um boom há cerca de 5 anos com a chegada de diversos títulos no mercado do país.
CLICHÊS – Com linguagem, personagens e narrativa próprias, os mangás conquistam cada vez mais adeptos no ocidente, mas ainda são cercados de muitos mitos e clichês.
Para Rogério de Campos, sócio-proprietário e diretor editorial da Conrad — editora que publica nove títulos de mangás, como Pokémon, Cavaleiros do Zodíaco e Dragon Ball — parte do público que não acompanha os mangás tem uma visão preconceituosa sobre a produção japonesa.
“Existe um clichê de que os mangás são violentos, o que não é verdade. Ao contrário dos quadrinhos ocidentais, que se baseiam em lutas, tiros e explosões, os japoneses, mesmo os de ação podem ter vários episódios sem uma luta sequer”, afirmou.
Segundo Campos, os mangás estão promovendo uma verdadeira revolução no mundo dos quadrinhos ocidentais.
“O mercado de quadrinhos no ocidente estava em queda e os mangás estão ajudando a reverter esse quadro. Os mangás trouxeram as mulheres para o mercado de HQ e abriu as portas para a exploração de temas variados, e não focado basicamente no herói, como no ocidente”.
Para Marcelo Del Greco, editor da JBC — que já publicou mais de 20 títulos de mangá — os mangás têm ainda mais atrativos para os brasileiros.
“A estrutura em episódios é semelhante a das novelas. Além disso, o brasileiro tem uma empatia natural pelo traço dos mangás”.
fonte: vale dos paraibanos .com.br
Autor: Fernanda guerra.
Por Tiago Roberto
Ilustração Científica
Ilustração científica tem o enfoque na riqueza e precisão da informação visual e é usada em trabalhos científicos, pesquisas e ensino. Ela pode ser bem simples, até mesmo esquemática, ou muito elaborada, retratando detalhes em imagens hiper-realistas. Devido ao rigor técnico exigido, muitos profissionais costumam se especializar em uma das modalidades de ilustração científica. Esta pode englobar diversas profissões ou especialidades como medicina, odontologia e áreas afins; botânica, zoologia, geologia, biologia celular e molecular, paleontologia, arqueologia, astronomia, entre outras.
A Ilustração Científica pode ser definida como uma área das Artes Plásticas cuja finalidade é auxiliar o pesquisador a comunicar suas idéias e descobertas, em form a de desenhos detalhados. Esses desenhos podem ser de animais ou vegetais, mas também podem ser modelos experimentais, modelos de estruturas biológicas ( por exemplo modelo de transdução de sinal, de membrana biológica, da superfície de um vírus qualquer e tantos outros). A variedade de técnicas utilizadas é praticamente ilimitada, indo desde o mais simples desenho feito a lápis até sofisticados modelos animados com computação gráfica. Muitas pessoas questionam a validade da ilustração feita por meio “manual” ainda hoje onde computadores e tecnologia digital assombram com seus avanços. Entretanto, o olho humano ainda não encontrou rival para a percepção de detalhes que muitas vezes não são percebidos pelos obturadores de máquinas fotográficas. Ainda assim por melhor que uma fotografia possa ser, problemas inerentes como profundidade de campo, exposição e processamento de detalhes ainda podem ser melhor resolvidos com um bom desenho. Tradicionalmente, a taxonomia, tanto animal quanto vegetal têm utilizado a Ilustração Científica com enormes vantagens sobre a fotografia. E, muitas vezes, mesmo uma micrografia eletrônica precisa de um desenho esquemático que seja, para mostrar aos observadores(alunos ou pesquisadores) o que deve ser visto, ou como esta deve ser interpretada
científica tem o enfoque na riqueza e precisão da informação visual e é usada em trabalhos científicos, pesquisas e ensino. Ela pode ser bem simples, até mesmo esquemática, ou muito elaborada, retratando detalhes em imagens hiper-realistas. Devido ao rigor técnico exigido, muitos profissionais costumam se especializar em uma das modalidades de ilustração científica. Esta pode englobar diversas profissões ou especialidades como medicina, odontologia e áreas afins; botânica, zoologia, geologia, biologia celular e molecular, paleontologia, arqueologia, astronomia, entre outras.
A Ilustração Científica pode ser definida como uma área das Artes Plásticas cuja finalidade é auxiliar o pesquisador a comunicar suas idéias e descobertas, em form a de desenhos detalhados. Esses desenhos podem ser de animais ou vegetais, mas também podem ser modelos experimentais, modelos de estruturas biológicas ( por exemplo modelo de transdução de sinal, de membrana biológica, da superfície de um vírus qualquer e tantos outros). A variedade de técnicas utilizadas é praticamente ilimitada, indo desde o mais simples desenho feito a lápis até sofisticados modelos animados com computação gráfica. Muitas pessoas questionam a validade da ilustração feita por meio “manual” ainda hoje onde computadores e tecnologia digital assombram com seus avanços. Entretanto, o olho humano ainda não encontrou rival para a percepção de detalhes que muitas vezes não são percebidos pelos obturadores de máquinas fotográficas. Ainda assim por melhor que uma fotografia possa ser, problemas inerentes como profundidade de campo, exposição e processamento de detalhes ainda podem ser melhor resolvidos com um bom desenho. Tradicionalmente, a taxonomia, tanto animal quanto vegetal têm utilizado a Ilustração Científica com enormes vantagens sobre a fotografia. E, muitas vezes, mesmo uma micrografia eletrônica precisa de um desenho esquemático que seja, para mostrar aos observadores(alunos ou pesquisadores) o que deve ser visto, ou como esta deve ser interpretada.
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Marvel_Comics
Por Luzia Aparecida
História e Caricaturas
Annibale Carracci foi um dos grandes expoentes da caricatura. É o pioneiro na HYPERLINK “file:///wiki/Hist%25C3%25B3ria_da_Arte” História da Arte a utilizar-se dela, contrapondo-a à idealização.
Carracci, família de pintores italianos do fim do século XVI: Ludovico (Bolonha, 1555 – id., 1619) e seus dois primos Agostino (Bolonha, 1557 – Parma, 1602) e Annibale (Bolonha, 1560 – Roma, 1609) foram os decoradores da galeria do Palácio Farnese. Em 1585, fundaram em sua cidade natal uma escola onde se formaram grandes artistas do século XVII e que foi a origem do ecletismo acadêmico.
Artistas da Escola de Bologna também se destacam nessa forma de arte, como Domenichino e Guercino. Pier Leone Ghezzi (1674 – 1755) foi um dos primeiros a dedicar-se quase que integralmente à realização de caricaturas.
Levando-se em conta que os críticos costumam considerar atributos importantes de uma boa caricatura a máxima expressividade com o mínimo de traços, Gianlorenzo Bernini (1598 – 1680) é tido como um dos mais brilhantes caricaturistas.
É comum vermos caricaturas políticas em nossos jornais ou revistas. Entretanto, as sátiras sociais através de caricaturas já existiam principalmente a partir do século XVIII, realizadas por artistas de renome.
Os ingleses James Gillray (1757 – 1815) e Thomas Rowlandson (1756 – 1827) eram alguns desses artistas considerados brilhantes caricaturistas, que faziam o observador logo reconhecer a personalidade que estava sendo estereotipada.
A agitação social da França do Século XIX foi um prato cheio para os caricaturistas do período. Destacam-se artistas como Honoré Daumier (1808- 1879), considerado um dos melhores do gênero, cuja vítima preferida era o governo de Luís Filipe (1773 – 1850). Seus trabalhos costumavam estar presentes no diário Le Charivari e no semanário La Caricature.
Artistas como Tiepolo, Puvvis de Chavannes e até Picasso, também têm trabalhos de caricatura. Monet, por exemplo, era caricaturista no início de sua carreira. É comum ainda o uso de elementos caricaturais nas artes gráficas contemporâneas.
Nos dias atuais, são vários os caricaturistas que se destacam internacionalmente, fazendo exposições e publicando na mídia impressa. Os maiores nomes são Sebastian Kruger, Jan Opdebeeck, Mulatier entre outros.
No Brasil
No Brasil, Raul Pederneiras (Raul), Calixto Cordeiro (K. Lixto) e J. Carlos podem ser considerados os primeiros caricaturistas verdadeiramente brasileiros. Destacam-se também Nair de Tefé, a primeira mulher caricaturista do mundo, Henrique Fleiuss, Max Yantok, Millôr Fernandes, Lan, Chico Caruso, Cássio Loredano, Angelo Agostini, Cláudio Paiva, Angeli, Glauco Villas-Boas, Laerte, Ziraldo, Jaguar e Henfil, entre outros.
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Marvel_Comics
Por Luzia Aparecida
Modalidades de desenho
O desenho não é necessariamente sempre um fim em si mesmo, podendo vir a assumir uma função ou caracterizar-se como mediação para outro fim. Entre as várias modalidades possíveis de desenho, incluem-se:
Desenho geométrico – estudo padronizado e normatizado do desenho em duas dimensões, voltado à representação plana de entes geométricos para a simples exibição ou resolução geométrica de problemas de HYPERLINK “file:///wiki/Matem%25C3%25A1tica” Matemática.
Desenho projetivo – estudo padronizado e normatizado do desenho em duas dimensões acerca de entes de três dimensões. É composto de variações como o HYPERLINK “file:///wiki/Desenho_t%25C3%25A9cnico” desenho técnico (representação de elementos tridimensionais em duas dimensões, voltado primordialmente para a exibição em si), geometria (representação de elementos tridimensionais em duas dimensões, voltado principalmente para a resolução gráfica de problemas de Geometria).
Desenho arquitetônico – desenho voltado especialmente ao HYPERLINK “file:///wiki/Projeto_arquitet%25C3%25B4nico” projeto de arquitetura.
Ilustração – um tipo de desenho que pretende expressar alguma informação, normalmente acompanhado de outras mídias, como o texto.
Croquis ou HYPERLINK “file:///wiki/Esbo%25C3%25A7o” esboço – um desenho rápido, normalmente feito à mão sem a ajuda de demais instrumentos que não propriamente os de traçado e o papel, feito com a intenção de discutir determinadas idéias gráficas ou de simplesmente registrá-las. Normalmente são os primeiros desenhos feitos dentro de um processo para se chegar a uma pintura ou ilustração mais detalhada. Os croquis são muito usados por estilistas de moda.
Modelo vivo – ilustração feita a partir de cópia do natural, tendo-se como tema o corpo ou a situação vivida por um modelo.
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Marvel_Comics
Por Luzia Aparecida
Montagem Criada por: Wellington Guimarães
Caricaturas por: Samuel Cezário
Pintura das Caricaturas por: Luzia Aparecida
Desenho
O desenho é um suporte artístico ligado à produção de obras bidimensionais, diferindo, porém, da pintura e da gravura. Neste sentido, o desenho é encarado tanto como processo quanto como resultado artístico. No primeiro caso, refere-se ao processo pelo qual uma superfície é marcada aplicando-se sobre ela a pressão de uma ferramenta (em geral, um lápis, caneta ou pincel) e movendo-a, de forma a surgirem pontos, linhas e formas planas. O resultado deste processo (a imagem obtida), portanto, também pode ser chamada de desenho. Desta forma, um desenho manifesta-se essencialmente como uma composição bidimensional formada por linhas, pontos e formas.
A representação do homem vitruviano, como imaginado por Leonardo da Vinci, é um dos desenhos mais conhecidos do mundo
O desenho envolve uma atitude do desenhista (o que poderia ser chamado de desígnio) em relação à realidade: o desenhista pode desejar imitar a sua realidade sensível, transformá-la ou criar uma nova realidade com as características próprias da bidimensionalidade ou, como no caso do desenho de perspectiva, a tridimensionalidade.devemos sempre saber que desenhos são geralmente assistidos pelas crianças.
Desenho como projeto
O desenho nem sempre é um fim em si. O termo é muitas vezes usado para se referir ao projeto ou esboço para um outro fim. Nesse sentido o desenho pode significar a composição ou os elementos estruturais de uma obra.
Na existe a distinção entre as palavras diseño (que se refere à disciplina conhecida como design nos países lusófonos, ou ao projeto, de uma forma geral) e dibujo (que se refere ao desenho propriamente dito). Estudos etimológicos de Luis Vidal Negreiros Gomes indicam que também no português existiam essas nuances de significado, com as palavras debuxo significava esboço ou desenho e que a palavra desenho tinha o sentido de projeto. Com o tempo o debuxo deixou de ser usada e o desenho mudou o significado, mas preservou algumas dos sentidos de projeto. Atualmente a língua portuguesa incorporou a palavra design que comporta o sentido de desenho como projeto.
Desenho, gravura, pintura
Entre os suportes artísticos tradicionais, três deles manifestam-se em duas dimensões: o próprio desenho, a gravura e a pintura. Embora o resultado formal de cada um deles seja bastante diferente (embora o desenho e a gravura sejam similares), a grande diferença entre eles se encontra na técnica envolvida.
A gravura difere do desenho na medida em que ela é produzida pensando-se na sua impressão e reprodução. Seus meios mais comuns de confecção são a xilogravura (em que a matriz é feita de madeira), a litogravura (cuja matriz é composta de algum tipo de pedra), a gravura propriamente dita (cuja matriz é metálica) e a Serigrafia (cuja matriz é uma tela) uma técnica de imprimir sobre tecido. Existe ainda uma técnica chamada monotipia, mais próxima da pintura, na qual se obtem apenas uma impressão.
Um aspecto que diferencia o desenho da pintura é que, ao desenhar, um artista usa cores puras e não pode misturá-las antes da aplicação, enquanto na pintura, cores novas são geralmente criadas através de misturas.
Gesto
Um desenho composto basicamente de linhas, com algumas texturas e sombreados
A composição pictórica expressa pelo desenho pode representar situações e realidades diversas: aquilo que o artista vê quando desenha, uma cena lembrada ou imaginada, uma realidade abstrata ou, no caso do desenho automático (proposto pelos surrealistas), pode vir a surgir com o movimento livre da mão do artista através do papel (ou de outra superfície). No processo da grafomania entóptica, em que os pontos são feitos nos locais das impurezas ou de variações de cor em uma folha de papel em branco, e as linhas são feitas então entre os pontos, superficialmente falando, o tema do desenho é o próprio papel.
Estas várias atitudes do desenhista em relação ao resultado do desenho manifestam-se através da técnica escolhida por ele, evidenciada pelo seu gesto. O gesto está profundamente relacionado à natureza dos movimentos da mão humana e à forma como a visão (ou o raciocínio visual, de uma forma geral) os influencia. Algumas técnicas, quando de uma abordagem figurativista do desenho, incluem:
Linha pura
Este é um desenho composto predominantemente por linhas (as quais simplesmente delimitam os objetos desenhados, sem a intenção de explicitar seus sombreados ou texturas). É normalmente o primeiro tipo de desenho com o qual um estudante entra em contato – o que não significa que seja este um tipo de desenho de pouca complexidade. A linha pura também é utilizada como etapa inicial do desenho de uma perspectiva.
Tom de linha
Este é um tipo de desenho que pretende, além de delimitar os objetos, representar suas texturas, mas ainda não incorpora dégradés ou matizados, gerados pela gradação de tons de cinza (embora o peso das texturas aplicadas assumam efetivamente tal papel). Pelo seu caráter, é também uma técnica bastante utilizada na gravura.
O principal elemento deste tipo de desenho é o tracejado, trama ou textura, padrões gráficos que são usados para representar uma determinada textura, cuja manipulação e gradação de peso permite sombrear os objetos. A aplicação de valores tonais, organizados a partir de uma fonte de luz que indica zonas de luz e sombra, acentua a percepção de volume e tridimensionalidade dos objetos em uma composição, características que reforçam a ilusão de profundidade em um desenho. Os materiais mais comuns para o uso dessa técnica são os nanquins (bico-de-pena) e lápis de grafite mais rígido, em espessuras variadas.
Tom puro
Este tipo de desenho faz uso extenso das técnicas conhecidas como sfumato e chiaroscuro, de modo a construir formas, figuras e espaços através de relações de contraste entre luz e sombra e meios-tons, sendo assim uma representação composta por manchas e texturas suaves onde a linha praticamente desaparece entre vários degradês. Os materiais mais usados aqui são o grafite, o carvão e os pastéis. Instrumentos como o esfuminho auxiliam o espalhamento do grafite e a gradação de meios-tons e sombras. Materiais como nanquins e bicos de pena são inadequados para evidenciar os volumes, as sombras e as formas dos objetos, sendo mais apropriado o uso de aguadas em nanquim aplicadas em pincel, técnica que concilia tanto uma grande versatilidade expressiva como um refinado detalhamento tonal.
Material
Diversos materiais para traçado
A escolha dos meios e materiais está intimamente relacionada à técnica escolhida para o desenho. Um mesmo objeto desenhado a bico de pena e a grafite produz resultados absolutamente diferentes.
As ferramentas de desenho mais comuns são o lápis, o carvão, os pastéis, crayons e pena e tinta. Muitos materiais de desenho são à base de água ou óleo e são aplicados secos, sem nenhuma preparação. Existem meios de desenho à base d’água (o “lápis-aquarela”, por exemplo), que podem ser desenhados como os lápis normais, e então umedecidos com um pincel molhado para produzir vários efeitos. Há também pastéis oleosos e lápis de cera. Muito raramente, artistas utilizam tinta invisível (geralmente já revelada).
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Marvel_Comics
Ass: Luzia Aparecida.
Um pouco da História da Marvel
A Marvel nasceu nos anos 30 do século XX, por Martin Goodman, como Timely Comics.
A sua primeira publicação ocorreu em 1939, foi um gibi com cores vibrantes que chegou como bancas sem pretensões Americanas e números de edição, tinha apenas o mês “Outubro” e foi impresso em branco.O Exemplar custava 10 centavos e prometia muita ação “, mistério e aventura “. Seu nome era Tocha Humana, o primeiro personagem de uma capa incluída na lista – os demais eram Anjo, Príncipe Submarino, Cavaleiro Mascarado e Ka-Zar.
Nos anos 40 a Timely Tornou-se conhecida, por publicar o herói patriota Capitão América.
Nos anos 50 assim como outras editoras ela passou por uma crise aonde nessa época os seus gêneros vinham com desenhos de monstros científicos e sem final dos anos 60 seguiu o caminho de sua principal concorrente uma da DC Comics que reviveu histórias de super heróis como a da Liga Justiça. A Heróis Marvel Criou O Quarteto Fantástico obtendo grande sucesso o que levou uma Criar uma outras histórias de super-e se destacando o Homem Aranha criado por Stan Lee e Steve Ditko.
As histórias da Marvel se destacaram entre as demais da área por Serem mais parecidas com uma realidade dos adolescentes, levando a revolução das histórias em quadrinhos. Fazendo assim a sua concorrente também seguir o mesmo caminho. Isso deu um prestigio Stan Lee que se Tornou diretor da empresa. No início dos anos 70 como favoráveis Estavam coisas não para o setor ea Marvel passou por diversos novos diretores e nenhum final dos anos 70 já não tinha mais crise, graças às jogadas de marketing nas distribuições das revistas e renovação.
Em 1988 a Marvel foi comprada pelo Investidor / empresário Ronald Perelman, que colocou uma empresa na Bolsa de Nova Iorque e promoveu o Aumento do número de títulos publicados.
A Marvel ganhou bastante dinheiro no início dos anos 90 Devido ao boom das histórias em quadrinhos, mas no meio dessa década passou por outra crise financeira, com Acusações de que Perelman havia tirado todo o dinheiro da empresa em proveito próprio
Como conseqüência disso a Marvel anunciou que o seu distribuidor exclusivo passaria um Ser o Heroes Mundo que fez com que toda uma indústria de distribuição de revistas de histórias em quadrinhos sofresse.
O investidos Carl Icahn tentou inverter uma situação da Marvel, mas após batalhas judiciais o controle da empresa em 1977 passou para Isaac Perlmutter, proprietário da Toy Biz. Onde junto com o seu sócio Avi Arad, o seu editor Bill Jemas, e diretor Joe Quesada reergueram uma maravilha.
Além da revitalização das revistas da empresa, alguns dos seus personagens foram licenciados para se tornarem filmes de sucesso, principalmente X-Men, X-Men Origins, Wolverine, Homem-Aranha, Quarteto Fantástico, Homem de Ferro e Blade.
A Marvel continua sendo um principal editora norte-americana de histórias em quadrinhos, mesmo não sendo a mesma de décadas passadas. A Marvel sempre inovando marcou também por fazer parceria com adaptações de Hollywood com filmes de sucesso para, exemplo disso foi Homen-Aranha, em 2002.
Em 2007 a empresa inovou novamente, anunciando a Marvel Digital Comics Unlimited, um arquivo digital de cerca de 2.500 edições de histórias em quadrinhos antigas, disponíveis para leitura após o pagamento de uma pequena taxa mensal ou anual.
No dia 31 de agosto de 2009 foi anunciada a compra da Marvel Entertainment pela Walt Disney, em troca de pagamento em dinheiro e ações no valor de 4 bilhões de dólares (cerca de 7,5 bilhões de reais).
Por Samuel Cezário
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Marvel_Comics
Ass: Joselmo de Farias Costa
Nascimento do Graffite
Se considerarmos o graffite como um tipo de escrita na parede e desenho de figuras, podemos afirmar que esta arte surgiu há séculos atrás na pré – história, evoluindo nos tempos românicos até aos dias de hoje.
Mas o estilo de graffite urbano que a maioria das pessoas conhece, o que usa latas de spray, surgiu na cidade de Nova York, Estados Unidos da América, nos finais dos anos 60, nos túneis de comboios.
Taki 183, que vivia na rua número 183 em Washington Heights, trabalhava como mensageiro, um trabalho que o fazia ter de andar por toda a cidade. Durante estas travessias, usava um marcador para escrever o seu nome em todos os sítios por onde passava: paragens de comboio, metros (por fora e por dentro das carruagens), etc.
Em 1971, Taki 183, foi entrevistado para aparecer num artigo do jornal New York Times. Foi aí que os jovens, ao constatarem a fama e notoriedade que se podia ganhar ao mandar “tags” dos seus nomes nas carruagens dos comboios (que davam voltas por toda a cidade) começaram a imitar Taki 183. O objetivo era sair da sombra do desconhecimento e espalhar o seu nome por todos os sítios possíveis. Isto deu origem a corridas e batalhas entre os jovens para ver quem conseguia ter mais nomes espalhados, o que fez o número de graffitis nos comboios aumentar consideravelmente.
Os artistas do Graffite
Os artistas do graffite, vulgarmente designados por “writters”, são pessoas inseridas na sociedade que possuem muita aptidão e habilidade para as artes gráficas e que são movidos pela paixão que têm por esta forma de arte. Apesar disto, são inúmeras vezes apontados como criminosos e vândalos pela nossa sociedade.
A evolução
Para mandar “tags” no interior dos comboios, marcadores permanentes serviam, mas usar latas de spray tornou-se rapidamente popular, especialmente para mandar “tags” na parte exterior dos comboios.
O graffite tornou-se então mais que um simples “tag”. Os writters começaram a modernizar os seus métodos e a destacarem-se uns dos outros pelo estilo próprio de cada um: passaram a ser usadas mais cores, efeitos especiais e um tamanho maior para os seus nomes. As latas de spray davam-lhes a possibilidade de criar peças maiores e mais rápido, grande vantagem pois nenhum artista queria ser apanhado pela polícia ou pelos seguranças da MTA (Metropolitan Transit Authority).
Como se pode imaginar o estilo de graffite evoluiu muito. Esta forma de arte tornou-se muito mais complexa e consistente. As técnicas e o próprio vocabulário foram evoluindo também (as “tags” passaram a “trowups” (obras-primas que ocupavam uma ou mais carruagens).
O graffite superou os limites e desenvolveu-se como uma forma de arte.
Graffite Contemporâneo
O graffite está bem “vivo” na sociedade atual, sendo visto nos comboios, em prédios, placares paredes e noutros lugares das cidades.
Nos nossos dias, os artistas ultrapassam barreiras: não só criam na sua área como também viajam e conhecem outros writters de vários lugares, fazendo com que vários estilos evoluam.
O graffite também é hoje em dia uma maneira de fazer dinheiro já que a arte do graffite é mostrada em muitas galerias de arte e os writters de graffite são considerados génios no mundo das artes gráficas.
Hoje em dia é normal ver um design inspirado no graffite, ou com um estilo de graffite, seja em t-shirts, Cd’s, posters ou publicidade.
Fonte: http://pt.wikipedia.org/wiki/Ilustra%C3%A7%C3%A3o
Thiago Mario Silva
Definição de Ilustração
Uma ilustração é uma imagem pictórica, geralmente figurativo (representando algo material), embora algumas raras vezes também abstrata, utilizada para acompanhar, explicar, acrescentar informação, sintetizar ou até simplesmente decorar um texto. Embora o termo seja usado frequentemente para se referir a desenhos, pinturas ou colagens, uma fotografia também é uma ilustração. Além disso, a ilustração é um dos elementos mais importantes do design gráfico.
São comuns em jornais, revistas e livros, especialmente na literatura infanto-juvenil (assumindo, muitas vezes, um papel mais importante que o texto), sendo também utilizadas na publicidade e na propaganda. Mas existem também ilustrações independentes de texto, onde a própria ilustração é a informação principal. Um exemplo seria um livro sem texto, não incomum em quadrinhos ou livros infantis.
A ilustração editorial tem origens na Iluminura, utilizada largamente na Idade Média nos manuscritos, mas atualmente difere desta por se servir de meios mecânicos (e mais recentemente de meios fotomecânicos e digitais) para a sua reprodução. Portanto, a sua evolução e história está intimamente ligada à imprensa e à gravura.
A ilustração possui uma tradição antiga que remonta às primeiras formas pictóricas, continuando pela Revolução Industrial até a nossa era digital. Atualmente essa tradição tem sido especialmente importantes para as histórias em quadrinhos e a animação.
Em princípio, o que distingue a ilustração das histórias em quadrinhos é não descrever, necessariamente, uma narrativa sequencial, mas por sintetizar ou caracterizar conceitos, situações, ações ou, até mesmo, determinadas pessoas como é o caso da caricatura.
Fonte:
http://pt.wikipedia.org/wiki/Ilustra%C3%A7%C3%A3o
Ass: Wellington Guimarães
